ARTEQUEACONTECE

"Masterpieces from the Ancient Metropolis" no Pergamon
2018-11-17 09:00 - 2023-12-31 16:00 (America/Sao_Paulo) | Pergamon, 2 Am Kupfergraben Mitte, Berlim, Berlim, Alemanha
A parceria única firmada em 2011/2012 entre a Antikensammlung do Staatliche Museen zu Berlin e o artista Yadegar Asisi ganha sequência no edifício da exposição temporária “Pergamonmuseum. Das Panorama” com “Masterpieces from the Ancient Metropolis with a 360° Panorama by Yadegar Asisi”. Completamente atualizada pelo artista, a perspectiva em 360º do que teria sido a Antiga Metrópole de Pergamon vem acompanhada de destaques do acervo do Antikensammlung. O panorama leva os visitantes de volta ao ano 129 d.C., mostrando a antiga cidade de Pergamon, na costa oeste da Ásia Menor. Yadegar Asisi reconstrói a cidade como era na época do Alto Império Romano, sob o domínio do Imperador Adriano (117-138 d.C.). As imagens do primeiro panorama de Pergamon foram amplamente retrabalhadas. Em cooperação com a equipe do Antikensammlung, o artista concebeu cerca de 40 novas cenas e as justapôs no quadro. Uma elaborada sessão fotográfica em um estúdio cinematográfico de Berlim concluiu o trabalho em outubro de 2017. A exposição paralela foi planejada pelo Studio Asisi e incorpora aproximadamente 80 das obras mais importantes do Antikensammlung do Pergamon – incluindo a maior peça do friso Telephos do Altar do Pergamon. Durante a preparação para a exposição, os originais foram submetidos a uma extensa conservação e restauração, principalmente as grandes estátuas de mulheres do pátio do Altar de Pergamon e para as esculturas do topo. Com exceção da estátua de Athena Parthenos, da Biblioteca de Pergamon (emprestada ao Metropolitan Museum de Nova York), todas as esculturas famosas daquela cidade estão na mostra, incluindo a chamada “Cabeça Bonita” (a colossal cabeça de Héracles), as esculturas que retratam o rei, o “Dançarino Arcaico” do palácio, o grupo Prometheus e a Athena com aegis cruzada. Diferentes instalações aprofundam a experiência do visitante através da interpretação artística, trazendo desenhos recentemente criados por Yadegar Asisi que ilustram as esculturas de Pergamon, a arquitetura e o layout urbano.

"A São Paulo da Marquesa de Santos" no Solar da Marquesa de Santos
2021-02-27 10:00 - 2023-09-18 17:00 | Solar da Marquesa de Santos, 136 R. Roberto Símonsen Centro Histórico de São Paulo, São Paulo, São Paulo, Brasil
Uma mulher à frente do seu tempo, essa é a história de Domitila de Castro Canto e Melo – a Marquesa de Santos (1797-1867), contada na exposição A São Paulo Da Marquesa de Santos: Cumplicidade de um Cenário, com curadoria do historiador Paulo Rezzutti, em exibição no Solar da Marquesa de Santos (Museu da Cidade de São Paulo) no período de 27 de fevereiro de 2021 a 18 de setembro de 2023.

Por meio de documentos textuais e iconográficos, a curadoria da exibição nos apresenta a biografia da Marquesa de Santos, misturada com a vida política e social brasileira da Colônia ao Segundo Reinado, com a inserção na cidade de São Paulo, onde traços de sua passagem em seu tempo ainda podem ser encontrados em nosso espaço

Mais do que os símbolos físicos, como o Solar, a Rua da Figueira, o Cemitério da Consolação, a Faculdade de Direito de São Paulo, sua presença é lembrada por obras de benemerência, como a doação de uma casa para servir de enfermaria no combate à epidemia de cólera que assolava a cidade e o Brasil.

"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
2022-02-11 11:00 - 2023-11-12 18:00 | Brooklyn Museum, 200 Eastern Pkwy Brooklyn, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social, no qual as técnicas artísticas, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados, sem estar preso a uma cronologia rígida, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero, classe, trabalho, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet, Gustave Courbet, Berthe Morisot, Francisco Oller, Henri Matisse, Pablo Picasso, Yves Tanguy, Vasily Kandinsky, entre outros.

"Lugar-comum" no MAC USP
2022-03-12 10:00 - 2023-12-17 18:00 | MAC, 1301 Av. Pedro Álvares Cabral Vila Mariana, São Paulo, São Paulo, Brasil
Com a principal premissa de ser uma exposição colaborativa, a mostra LUGAR-COMUM, conta com curadoria de Ana Magalhães, Helouise Costa e Marta Bogéa, e acontece no MAC (Museu de Arte Contemporânea), no período de 12 de março de 2022 a 17 de dezembro de 2023.

Baseada na interação entre curadores e artistas unidos no propósito de trazer uma nova leitura sobre o acervo do museu, a exibição foi pensada como um “work in progress”, ou seja, como um trabalho em processo, que não necessariamente tem um fim, mas sim um progresso contínuo da construção das obras e da exposição. A proposta é abrir espaço para que a curadoria seja experimentada como um processo compartilhado entre as curadoras, os artistas selecionados para a mostra e os interlocutores convidados.

A escolha do título está na contramão da definição corrente que considera o lugar-comum como sinônimo de algo banal que perde a força de seu sentido original pelo excesso de repetição. Coloca em discussão a autoridade curatorial do museu, a relação entre arte e vida cotidiana e as possibilidades de renovação de um acervo institucional a partir de novas leituras resultantes dos diálogos possíveis entre diferentes modos de ver o mundo.

Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
2022-03-17 10:30 - 2025-10-11 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
O Whitney, em colaboração com o Hudson River Park , desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21), esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort, em frente ao Museu.

Proposto ao Whitney por Hammons, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos, dimensões e localização do galpão original – e, como a intervenção de Matta-Clark, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla.

Em conjunto com a realização do projeto, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York, 1970–1986 , uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos, incluindo a primeira série de podcasts do Museu, Artists Among Us , bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District, o papel dos artistas no bairro, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.

Isaac Julien no Tate Britain
2022-04-27 10:00 - 2023-08-20 18:00 | Tate Britain, Millbank, Londres, Reino unido
Esta é a maior exposição já dedicada ao trabalho do filmmaker e artista Isaac Julien, um dos mais importantes da atualidade. Esta mostra revela o escopo dos filmes e instalações iniciais de Isaac Julien do começo da década de 1980 até os dias de hoje. Esta exposição também destaca o pensamento crítico do artista e a forma como seu trabalho é capaz de quebrar barreiras, transitando entre diversas mídias com desenhos, filmes, dança, fotografia, música, teatro , pinturas e esculturas. Nesta ocasião o visitante conhecerá trabalhos que vão de filmes antigos a videoinstalações em escalas enormes e multi-telas.

"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
2022-05-07 10:30 - 2026-01-04 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia, bem como as mudanças culturais, como o sufrágio feminino, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias, novos planos e novas esperanças”.

Alguns dos artistas apresentados nesta exposição, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley , são bem conhecidos hoje, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto.

Esta exposição é organizada por Barbara Haskell, curadora.

Oscar yi Hou no Brooklyn Museum
2022-10-14 11:00 - 2023-09-17 18:00 | Brooklyn Museum, 200 Eastern Pkwy Brooklyn, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Em uma época de crescente violência contra as comunidades asiáticas nos Estados Unidos, Oscar yi Hou questiona o que significa ser “asiático-americano” e quem é considerado “norte-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun, West of Moon, título de um poema do artista, compreende onze de suas recentes pinturas figurativas. Em algumas obras, yi Hou coloca seus amigos e ele mesmo como figuras da história do leste asiático e da cultura visual ocidental, desde imigrantes chineses do século XIX até Son Goku, da popular franquia de mídia Dragon Ball. Em outros, o artista retrata suas amigas, muitas das quais, como ele, se identificam como parte de uma comunidade criativa asiática, em papéis tradicionalmente brancos e masculinos, acabando com os estereótipos de longa data. Da mesma forma, yi Hou olha tanto para a cultura popular quanto para referências passadas, incluindo as coleções de arte asiática recentemente reinstaladas do Brooklyn Museum, em sua abordagem para essas composições que remete à colagem. O artista envolve seus temas com o que ele chama de iconografia de “cowboy chinês”, um caleidoscópio de imagens como bandeiras americanas, símbolos yin-yang, chapéus de cowboy e caligrafia chinesa. Através dessa justaposição (e de sua crítica sobre as calúnias contra o povo do Leste Asiático) yi Hou revela a complexidade da questão de identidade nacional, como evidenciado por sua própria origem sino-britânica. Agora morando no Brooklyn, ele afirma: “Embora eu seja apenas um norte-americano, sou resolutamente um asiático-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun, West of Moon é organizado por Eugenie Tsai, Curador Sênior de Arte Contemporânea do Brooklyn Museum, com Indira A. Abiskaroon, Assistente Curatorial de Arte Moderna e Contemporânea.

"A Fine Line" no Lowe Art Museum
2022-11-18 10:00 - 2023-09-24 16:00 | Lowe Art Museum, 1301 Stanford Dr Riviera, Coral Gables, Flórida, Estados Unidos
As obras apresentadas nesta exposição demonstram como os processos de marcação e demarcação linear – sejam eles esculturais, gestuais, líricos, conceituais ou geométricos – formam um fio temático que percorre a coleção de Arte Moderna e Contemporânea da Fundação Berkowitz Contemporary. Elas também instigam os espectadores a considerar as formas pelas quais os artistas, trabalhando em vários movimentos estilísticos importantes ao longo dos últimos sessenta anos, têm usado a linha para expressar uma vasta gama de significados por meio de uma ampla variedade de formas, padrões e texturas. Esta exposição foi curada pela Curadora de Coleções e Exposições do Lowe, Caitlin Swindell, e organizada pelo Museu de Arte Lowe.

"Favela-Raiz" no Museu das Favelas
2022-11-26 09:00 - 2024-01-31 17:00 | Museu das Favelas, 1269 Av. Rio Branco Campos Elíseos, São Paulo, São Paulo, Brasil
A exposição Favela-Raiz é uma ocupação-manifesto que representa o primeiro movimento de transformação do Palácio dos Campos Elíseos no Museu das Favelas, reverenciando a memória e as heranças das lutas dos que vieram antes e dos que seguem resistindo na construção desta história. O termo “favela”, cujo nome se popularizou a partir do início do século 20 ao denominar um sistema de habitações populares no país, é derivado de um tipo de árvore com espinhos, flores, frutos e sementes altamente nutritivas muito comum na caatinga e, especificamente, no Morro da Favela, em Canudos, no sertão da Bahia. Os soldados da Guerra de Canudos, convocados a combater os membros da comunidade liderada por Antônio Conselheiro, ali se instalaram, dada a ampla visão oferecida do vale e, ao retornarem para o Rio de Janeiro, sem a assistência prometida pelo Governo, ocuparam o atual Morro da Providência, que passou a ser chamado de Morro da Favela. Desde então, “favela” passou a representar o tipo de organização urbana ali criada: barracões de madeira improvisados, sem infraestrutura, situados nos morros. A exposição que abre o Museu surge em forma de ocupação-manifesto, evocando as raízes da planta favela. É um símbolo de saudação às tradições, à ancestralidade, à maternidade, aos abrigos materiais e afetivos que envolvem os habitantes e a tudo o que ali foi semeado e colhido. A ocupação é composta por cinco partes, sendo três internas e duas externas. No hall de entrada há esculturas tecidas em crochê, criadas pela artista Lidia Lisbôa com a colaboração de 7 mulheres do Coletivo Tem Sentimento e da Cooperativa Sin Fronteras, grupos de mulheres da vizinhança do Museu. “O Museu das Favelas tem como premissa máxima o trabalho colaborativo com as pessoas que vivenciam o cotidiano das favelas e periferias. A sala expositiva lateral traz uma instalação audiovisual sensorial, cuja curadoria selecionou imagens de 20 fotógrafos e produtores de conteúdos de diferentes periferias do Brasil. Chamada Visão Periférica, a obra revela aos visitantes a multiplicidade das experiências nas favelas, despertando memórias afetivas por meio do cruzamento de linguagens. No final do percurso interno da exposição, há uma instalação no salão de espelhos do palácio, com criação sonora do rapper Kayode, exaltando os diferentes modos de se pensar a beleza. No ambiente externo, há uma instalação que sintetiza a história do Palácio dos Campos Elíseos, com pesquisa de História da Disputa e produzido com artes em serigrafia pelo Coletivo XiloCeasa. Nos jardins, Paulo Nazareth – conhecido por suas andanças ao redor do mundo e seu trabalho que questiona os limites da performance como linguagem artística – traz uma das instalações de seu projeto Corte Seco, em homenagem à Maria Beatriz Nascimento: uma escultura de alumínio, de 6 metros de altura, retratando essa uma mulher negra, historiadora, poeta, intelectual e ativista.

Michel Magerus no ICA
2022-11-28 08:00 - 2023-12-03 17:00 | ICA, 61 NE 41st St Miami Design District, Miami, Flórida, Estados Unidos
“Progressive Aesthetics” é a primeira retrospectiva do ICA sobre o artista luxemburguês Michel Majerus, morto precocemente em um acidente de avião aos 37 anos (2002), retomando suas obras ricas em interpretações do capitalismo e do imperialismo cultural na arte e na cultura norte-americana. Criadas no limiar do século 21, as obras de Majerus expõem temas de transformação e são caracterizadas por um fascínio pela velocidade, tecnologia, cultura jovem e história da arte, todas unidas por sua obsessão com o poder da arte e das instituições. A exposição reúne obras de toda a breve, mas dinâmica e prolífica carreira de Majerus, destacando sua oportuna reflexão e crítica sobre a onipresença das imagens. “Progressive Aesthetics” começa com obras do início dos anos 1990, em que Majerus aborda a história do modernismo, antagonizando movimentos de vanguarda do século 20, seu poder e limitações. Trazendo as influências da História da Arte no trabalho de Majerus, a exposição também inclui pinturas abstratas que citam mestres modernos como Willem de Kooning e Frank Stella. Em “Progressive Aesthetics” estão seis obras consideradas das imagens mais conhecidas do artista: apropriações de serigrafias das famosas (e às vezes infames) colaborações entre Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat entre 1984-85. Considerando-se um colaborador desses artistas, Majerus refaz as imagens, achatando-as e acrescentando floreios quase mecânicos, numa reflexão sobre o gênio e a noção de que a maestria produz originalidade. Enquanto morou em Berlim durante sua vida adulta, Majerus visitou os Estados Unidos várias vezes, principalmente na residência de um ano em Los Angeles em 2000-01. Seu fascínio pela cultura pop, a paisagem americana, o consumismo e a violência são os principais temas da série “L.A. Paintings”, que inclui as obras “Deutsch Amerikanische Freundschaft” (2001) e “Splash bombs 2” (2002).

Temporada de exposições no Rubell Museum
2022-11-28 08:00 - 2023-11-12 17:00 | Rubell Museum, 1100 NW 23rd St Allapattah, Miami, Flórida, Estados Unidos
Partindo dos jovens artistas com os quais a família Rubell travou contato recentemente ou há algum tempo, o Rubell Museum seleciona nomes para ocupar seu espaço em Miami durante um ano, difundindo sua produção, que muitas vezes é comissionada ou já foi adquirida pela instituição. Os escolhidos da temporada 2022-23 são Alexandre Diop (foto), Patricia Ayres, Doron Langberg, Jared McGriff, Jo Messer, Clayton Schiff e Tesfaye Urgessa. Morando em Viena, o artista franco-senegalês Alexandre Diop (b. 1995, Paris) usa objetos descartados para criar trabalhos relativos a questões sociopolíticas, raciais, culturais e de gênero. Para sua exposição no Rubell Museum, ele apresenta uma seleção de obras criadas durante sua residência de 3 meses na instituição. “Nos últimos anos, o museu segue expandindo sua programação para compartilhar tanto novas aquisições e destaques da coleção, como trabalhos desenvolvidos por seus artistas em residência, posição mais recentemente ocupada por Alexandre Diop. As mostras desse ano representam uma continuação de nossa missão de destacar uma mistura diversificada de artistas contemporâneos, ao mesmo tempo em que incentivam o diálogo público”, disse Jason Rubell. “Os trabalhos em vista incluem tanto peças significativas de artistas com os quais nossa família se engajou durante décadas, quanto trabalhos emocionantes de artistas com os quais interagimos recentemente durante as visitas aos estúdios, e com os quais encomendamos corpos de trabalho”. A prática de Patricia Ayres está relacionada a histórias de isolamento, separação e confinamento. Analisando os mecanismos de controle físico e psicológico, Ayres cria esculturas antropomórficas, totêmicas que são envoltas com tiras de elástico, látex líquido, acolchoamento e outros materiais, e incorporam técnicas que mostram a expertise da artista no design de moda. Representando uma nova geração de pintores figurativos, Doron Langberg cria trabalhos luminosos, vibrantes e muitas vezes em grande escala que trazem a sensação de intimidade representando a si mesmo, sua família, amigos e amantes. As pinturas de Jared McGriff, baseado em Miami, misturam o presente do artista com vislumbres reais ou imaginários de sua história familiar através de representações em forma de sonho. As pinturas de Jo Messer tensionam a tradição do retrato nu clássico para explorar os muitos potenciais do gênero, incluindo o erótico, a partir de figuras cromáticas quase abstratas de mulheres que se estendem para além das bordas da tela. Clayton Schiff recolhe impressões do inconsciente que distorcem, deslocam, ampliam e comprimem experiências acumuladas durante a vigília. Sua iconografia assombrosa evoca simultaneamente a alienação com criaturas fantásticas e paisagens estranhas que têm uma sutileza e leveza brincalhona e mesmo humorística. No trabalho de Tesfaye Urgessa, há uma reciprocidade muda entre o observador e o observado que muda a dinâmica do poder e as noções de ação e raça, baseando suas imagens em suas memórias de infância da Etiópia.

Roberto Lugo no The Wolfsonian
2022-11-28 10:00 - 2023-08-27 18:00 | The Wolfsonian, 1001 Washington Avenue, Miami, Flórida, Estados Unidos
Para o artista e ativista Roberto Lugo, o passado está sempre presente. Ele explora a história da cerâmica para criar obras de arte com urgência contemporânea, transformando formas luxuosas de porcelana – frequentemente utilizadas para marcar grandes eventos ou memorializar monarquias e líderes políticos – em agentes de mudança e perturbação. No Wolfsonian, Lugo busca na importante coleção de cerâmicas europeias e americanas dos séculos XIX e XX do museu, produzir novas obras inspiradas nesses objetos, porém retratando as histórias, experiências e heróis das comunidades negras e pardas, tão frequentemente ignoradas pelos registros históricos. Na parte externa do museu, Lugo traz seu estilo e abordagem característicos para as histórias ainda pouco exploradas de Miami, projetando um mural que comemora as raízes caribenhas da cidade ao mesmo tempo em que entrelaça sua própria história familiar. Conectando a instalação na galeria à rua e a coleção do Wolfsonian às vidas dos habitantes de Miami atualmente, Lugo convida os visitantes a refletirem sobre a intersecção de raça, política e memória no mundo construído ao seu redor.

Leandro Erlich no Pérez Art Museum
2022-11-29 08:00 - 2023-09-04 17:00 | Pérez Art Museum, 1103 Biscayne Blvd Downtown Miami, Flórida, Estados Unidos
A exposição “Leandro Erlich: Liminal” é a primeira panorâmica do artista na América do Norte. Selecionada e organizada pelo curador convidado Dan Cameron, de Nova York, a exposição apresentará dezesseis obras que abrangem mais de duas décadas da produção de Erlich. Ocupando todas as galerias especiais de exposição da PAMM, a exposição foi projetada para sugerir uma linha narrativa contínua, conduzindo os espectadores por uma série de instalações que fazem o espectador duvidar de sua própria percepção sensorial dos espaços ao seu redor. Desde o final dos anos 1990, Erlich (1973, Buenos Aires, vive em Buenos Aires) criou um conjunto de esculturas e instalações “site specific” em que uma aparência arquitetônica cotidiana é na verdade uma armadilha perceptiva, levando o espectador incauto a um paradoxo visual que desafia sistematicamente leis e atributos do mundo material. No universo paralelo de Erlich, escadas levam a lugar nenhum, elevadores não param em nenhum destino, espectadores passivos tornam-se participantes ativos, nuvens assumem características físicas e a solidez dos espaços construídos é na verdade uma ilusão ótica fugaz. “Liminal” foi concebida como uma sequência de espaços acessados no decorrer de um dia comum: elevador, metrô, sala de aula, salão de cabeleireiro, calçada, piscina, lavanderia, e até uma janela da qual pode-se ver as janelas dos vizinhos. Cada espaço é construído como uma simulação precisa do lugar a que se refere, de modo que é uma surpresa para o espectador que um lugar tão comum esconda qualidades tão extraordinárias. O título da exposição refere-se a uma zona de transição localizada no limiar de outro espaço, sugerindo esse cruzamento de fronteira, entrando em um novo destino ou estado de existência, sensação reforçada na obra de Erlich. Pairar no “Liminar” (limiar, em português) de uma experiência é como estar preso entre uma realidade anterior que foi deixada para trás e uma nova realidade acenando a curta distância, mas sempre um pouco além de nosso alcance. A seleção de obras de “Leandro Erlich: Liminal” é do curador independente Dan Cameron. A mostra esteve em cartaz entre 2019 e 2020 no Malba (Buenos Aires).

"Afro-Atlantic Histories" no LACMA
2022-12-11 11:00 - 2023-09-10 18:00 | LACMA, 5905 Wilshire Blvd Central LA, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
As Histórias Afro-Atlânticas traçam o comércio transatlântico de escravos e seus legados na diáspora africana. Através de uma série de diálogos ao longo do tempo, a exposição apresenta obras de arte produzidas na África, Europa e Américas nos últimos quatro séculos para reexaminar, uma perspectiva global, as Histórias e histórias de escravidão, resiliência e a luta pela libertação. A exposição é organizada em seis conjuntos temáticos de obras: Mapas e Margens, Escravos e Emancipações, Vidas Cotidianas, Ritos e Ritmos, Retratos e Resistências e Ativismo. Cada seção considera o impacto crítico da diáspora africana refletido em obras de arte históricas e contemporâneas. Histórias Afro-Atlânticas foi concebida e exibida primeiramente no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP) e no Instituto Tomie Ohtake, em 2018. Entre as instituições nos EUA pelas quais a mostra passou estão o Museum of Fine Arts de Houston, a National Gallery of Art e o Dallas Museum of Art. Essa é a única exibição na Costa Oeste. A mostra apresenta uma seleção de trabalhos produzidos entre os séculos 16 a 21, em torno dos “fluxos e refluxos” entre a África, as Américas, o Caribe, e também a Europa, para usar a famosa expressão do etnólogo, fotógrafo e babalaô franco-baiano Pierre Verger. O Brasil é um território central nas histórias afro-atlânticas, pois recebeu aproximadamente 46% dos cerca de 11 milhões de africanos e africanas que desembarcaram compulsoriamente neste lado do Atlântico, ao longo de mais de 300 anos. Também foi o último país a abolir a escravidão mercantil com a Lei Áurea de 1888, que perversamente não previu um projeto de integração social, perpetuando até hoje desigualdades econômicas, políticas e raciais. Por outro lado, o protagonismo brasileiro nessas histórias fez com que aqui se desenvolvesse uma rica e profunda presença das culturas africanas.

Gabriella Ciancimino no Museo del Novecento
2022-12-18 10:00 - 2024-03-31 19:30 | Museo del Novecento, Via Marconi, 1, Milão, Itália
O Museo del Novecento apresenta Getsemani, um projeto específico do local criado por Gabriella Ciancimino, que narra um jardim visionário por meio de sinais e iconografias. A pintura na parede descreve uma paisagem multidimensional sem espaço e tempo. Assim, Getsemani se torna o lugar onde os homens podem despertar do sono do mundo para se imergir no “Sonho de Unidade” com a natureza, reconhecendo-se como parte integrante dela e não como antagonistas. A exposição faz parte do “Level 0”, uma iniciativa do ArtVerona em colaboração com catorze instituições de arte contemporânea italianas, que tem como objetivo promover artistas emergentes que se destacaram durante a feira e que são escolhidos e apresentados por cada museu. O trabalho de Gabriella Ciancimino, selecionado em 2020, reflete sobre as dinâmicas da “liberdade de ser”, que podem ser adquiridas ao superar estereótipos espirituais, sociais, culturais e políticos. Assim, a artista se inspira ao conectar sua visão à de mentes rebeldes de diferentes épocas: desde Myriam de Magdala até Leda Rafanelli – política italiana, anarquista e escritora – com quem ela compartilha temas queridos como integração e ecologia social voltada para a mudança cultural. Em seu estúdio, Ciancimino trabalha com materiais impressos libertários encontrados em diversos arquivos ao redor do mundo, estilos florais art nouveau do arquiteto Ernesto Basile, pranchas botânicas de plantas da região do Mediterrâneo e um breve poema que ela escreveu sobre o papel do jardineiro, que não cultiva uma visão unilateral, mas aproxima a terra do céu. Metaforicamente, Getsemani se torna um ponto de encontro entre diferentes culturas: um jardim no qual espécies locais coexistem com aquelas provenientes da paisagem da Palestina do início do cristianismo, juntamente com flores estilizadas retiradas das capas de alguns livros publicados pela Social Publishing House de Milão, fundada por Rafanelli, que ao longo de sua vida tentou combinar seu pensamento anarquista com sua pesquisa espiritual sobre o Islã.

"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
2022-12-22 - 2026-03-15 | Pinacoteca do Ceará, R 24 de Maio, 34 - Centro, Fortaleza, Brazil
Amar se aprende amando, dedicada a Antonio Bandeira, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará, após mais de três anos em cartaz.
Maior mostra já realizada sobre o artista, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu, em dezembro de 2022, celebrando o centenário do pintor.
Com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.

Richard Avedon no The Met Museum
2023-01-19 10:00 - 2023-10-01 17:00 | The Metropolitan Museum of Art, 1000 5th Ave, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Em 1969, Richard Avedon estava em uma encruzilhada. Após um hiato de cinco anos, o fotógrafo voltou a fazer retratos, desta vez com uma nova câmera e um novo senso de escala. Trocando seu Rolleiflex portátil por um dispositivo maior montado em um tripé, ele reinventou a dinâmica de seu estúdio. Ao invés de dançar em torno de seus assuntos por trás de um visor, como fazia em suas fotos enérgicas de moda, ele agora podia ficar ao lado de uma câmera estacionária e encará-los de frente. Enfrentando grupos de artistas, ativistas e políticos proeminentes da época, ele criou enormes retratos fotomurais, condizentes com sua influência cultural descomunal. No centenário do nascimento do fotógrafo, Richard Avedon: MURALS reunirá três dessas obras monumentais, algumas com até 35 pés de largura. Para Avedon, os murais expandiram as possibilidades artísticas da fotografia, reorientando radicalmente espectadores e temas em uma visão ampla e abrangente. Os murais são retratos da sociedade. Neles, Avedon reúne gigantes do final do século XX (membros da Factory de Andy Warhol, arquitetos da guerra do Vietnã e manifestantes contra essa guerra) que juntos moldaram uma era extraordinariamente turbulenta da vida americana. Apresentados em uma galeria, seus enormes retratos encenarão uma conversa improvável entre campos historicamente opostos, bem como espectadores contemporâneos. As inovações formais do alto estilo de Avedon – corpos fortemente iluminados em um fundo branco impiedoso – são melhor realizadas nessas obras, onde os personagens se juntam e aglomeram o quadro, e vazios brilhantes entre eles estalam em contraste. Unindo os murais com projetos contemporâneos, a exposição acompanha a abordagem evolutiva de Avedon para o retrato de grupo, por meio do qual ele transformou as convenções deste gênero fotográfico.

Mary Enoch Elizabeth Baxter no Brooklyn Museum
2023-01-20 11:00 - 2023-08-13 18:00 | Brooklyn Museum, 200 Eastern Pkwy Brooklyn, Nova York, Nova York, Estados Unidos
No quinquagésimo aniversário do caso Roe v. Wade – e no ano seguinte à sua revogação – esta exposição examina a longa história de injustiça reprodutiva nos Estados Unidos por meio de dois projetos de Mary Enoch Elizabeth Baxter. A artista e ativista prioriza a narrativa e a cura em seu trabalho, explorando os processos institucionais, legais e culturais que têm brutalmente privado as mulheres e meninas negras de sua autonomia corporal. Em seu filme Ain’t I a Woman, Baxter conecta sua experiência de dar à luz algemada ao combate expandido pelos direitos reprodutivos – um combate que destaca as vulnerabilidades e violências contra as mulheres negras, que historicamente têm sido negadas o direito de decidir se, quando e como ter filhos de forma segura. O documentário musical é acompanhado por Consecration to Mary, um trabalho fotográfico multipartidário que relaciona as histórias de abuso enfrentado por crianças negras ao “viés de adultificação”, uma realidade social em que jovens negros são sistematicamente tratados como adultos. Na obra, Baxter confronta e combate fotografias nuas sexualmente exploratórias de uma jovem negra tiradas pelo famoso artista americano branco Thomas Eakins em 1882. Baxter se insere em duas das fotografias de Eakins para proteger a vítima e apresenta outras imagens em estojos fechados de daguerreótipo, ocultando-as da vista pública. Uma terceira fotografia aberta de Baxter quando criança conecta a própria artista a essas histórias de abuso social. Juntos, esses trabalhos expõem como a exploração de meninas negras leva ao desempoderamento político e à precariedade social, resultando no encarceramento em massa de mulheres negras. Ao colocar em destaque membros profundamente vulneráveis da sociedade americana, a exposição amplia o discurso sobre o acesso ao aborto para uma conversa mais complexa sobre justiça reprodutiva, abrangendo direitos humanos, empatia e libertação.

"Intersecções" na Casa da Imagem e Solar da Marquesa de Santos
2023-01-25 09:00 - 2023-08-20 17:00 | Solar da Marquesa de Santos, 136 R. Roberto Símonsen Centro Histórico de São Paulo, São Paulo, São Paulo, Brasil
A exposição Intersecções ocupa simultaneamente o Solar da Marquesa de Santos e a Casa da Imagem. Sobre a mostra, o trio curatorial composto por Adriana Barbosa, Nabor Jr. e Eleilson Leite escreveu: “Em continuidade ao programa de exposições sistêmicas promovido pelo Museu da Cidade de São Paulo, Intersecções – Negros(as), indígenas e periféricos(as) na cidade de São Paulo avança cronologicamente no espaço e na geografia da capital, não somente com o objetivo de iluminar os fazeres destes grupos e reforçar sua importância na vibrante cena cultural da cidade, mas, principalmente, na contramão do projeto nacional de apagamento dessas populações e no sentido de reinseri-las enquanto sujeitos protagonistas da historiografia paulistana. Intersecções apresenta um valoroso conjunto de movimentos culturais, artistas, processos e encontros, bem como locais de convivência (e convergência) que, a partir da década de 1980, concomitantemente aos fatores de resistência comum à vida dessas maiorias minorizadas, e atuando na interseccionalidade histórica e socialmente imposta às populações negra, periférica, indígena e LGBTQIA+, forneceram elementos não somente para a celebração coletiva, como para a possibilidade de uma “vida comum” em uma sociedade onde o racismo, o sexismo e a homofobia são inseparáveis. Ainda que o conceito de ‘cidadão comum’ possa endossar, mesmo que inconscientemente, a ideia de que há pessoas ‘especiais’ ou ‘superiores’, as iniciativas presentes nesta exposição apresentam-se como possibilidades catárticas que não imputam aos seus participantes e idealizadores o fardo de terem de possuir uma história de superação por serem quem são ou como são. […] ‘A periferia nos une pelo amor, pela dor e pela cor’, defende o poeta Sérgio Vaz no Manifesto da Antropofagia Periférica. São periferias unidas por um movimento que vai além das subjetividades, como ensina Tiaraju Pablo D’andrea. Um povo que é cria, tem orgulho de pertencer à quebrada e atua politicamente para defender os que nela habitam. Assim ele define o(a) sujeito(a)(e) periférico(a)(e), um novo conceito na sociologia. […] As intersecções entre negros, negras, indígenas, periféricos e periféricas habitam o universo simbólico que inspira as artes e a cultura na Metrópole. […] Emicida já deu a letra: ‘arte é ocupar!’ Tudo junto e misturado porque a cultura não é compartimentada, muito menos hierarquizada. A intersecção saiu da geometria e se fez verbo na periferia. Interseccione-se!”

"Invisible Ground of Sympathy" no ICA Boston
2023-01-31 10:00 - 2024-01-07 17:00 | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Taylor Davis Selects: Invisible Ground of Sympathy é organizada pelo artista Taylor Davis, baseado em Boston, sendo a primeira vez que um artista é convidado para curar uma exposição a partir da coleção permanente do ICA. Em suas obras de arte, Davis explora a relação entre objeto e espectador, muitas vezes através de manipulações precisas da forma. Abordando questões de orientação, espaço, identidade e percepção, o trabalho de Davis insiste na sensação única de presença e atenção que cada espectador traz ao se deparar com uma obra de arte. Davis concebe a mostra Invisible Ground of Sympathy como um campo aberto no qual uma constelação de obras de arte é reunida para ativar suas diferentes intensidades emocionais e psicológicas. Considerando temas de precariedade, surpresas, violência e beleza, e situando o espectador no centro, Davis apresenta uma visão pessoal sobre a complexidade inarrável de dar sentido ao presente.

"Avant l'Orage" na Bourse de Commerce
2023-02-08 11:00 - 2023-09-11 19:00 | Bourse de Commerce, 2 Rue de Viarmes Paris, Paris, Paris, França
A exposição coletiva Avant l’Orage (Antes da Tempestade) é um convite para o público fazer uma viagem pelas instalações e obras de quase vinte artistas que metamorfosearam todos os espaços do museu. Contra o pano de fundo da mudança climática, na urgência do presente como no olho de um furacão, escuridão e luz, primavera e inverno, chuva e sol, dia e noite, o humano e o não-humano coabitam nessa nova exposição de obras da Pinault Collection. Essas paisagens instáveis, capturadas em um tempo dessincronizado, representam novos ecossistemas nos quais o visitante é convidado a mergulhar. Essa estação temática é dividida em duas partes, abrindo com uma instalação monumental de Danh Vo, criada para a Rotunda da instituição, antes de ser retomada no final de maio para a exposição dedicada à artista britânica Tacita Dean, na Rotunda e também na Galeria 2 da Bourse de Commerce. Uma das frases que define a mostra vem do filósofo italiano Emanuele Coccia, convidado pela instituição a fazer um audiocomentário da exposição: “Tudo na Terra é tempo. É sobre isso que se tratam as obras dessa exposição. (…) afinal, você não sabe realmente se está antes ou depois da tempestade, porque o mundo inteiro se tornou uma tempestade. E a tempestade nada mais é do que o canto da vida”. A lista de artistas é composta pelos brasileiros Lucas Arruda e Jonathas de Andrade, além de Hicham Berrada, Dineo Seshee Bopape, Frank Bowling, Judy Chicago, Tacita Dean, Robert Gober, Dominique Gonzalez-Foerster, Felix Gonzalez-Torres, Pierre Huyghe, Benoit Piéron, Daniel Steegmann Mangrané, Alina Szapocznikow, Diana Thater Thu Van Tran, Cy Twombly, Danh Vo e Anicka Yi.

"Porcelain from Versailles" no Getty Center
2023-02-14 10:00 - 2024-03-03 17:30 | Getty Center, 1200 Getty Center Dr Brentwood, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Esta exposição reúne dois dos conjuntos de vasos mais extraordinários que pertenceram ao Rei Louis XVI e à Rainha Marie-Antoinette da França durante o final do século XVIII. Os vasos estão entre as maiores realizações da manufatura de porcelana de Sèvres feitas antes da Revolução Francesa, tornando-se tesouros pessoais da família real na época. Inicialmente, eles eram mantidos no Palácio de Versalhes, nos arredores de Paris, a residência principal da família real, e são um testemunho das habilidades exemplares dos artistas que participaram de sua criação. Esta exposição reúne os oito vasos que foram separados durante a Revolução, oferecendo a rara oportunidade de apreciar a habilidade artesanal e o design dos conjuntos.

"Chagall, Paris - New York" no Atelier des Lumières
2023-02-17 10:00 - 2024-01-07 21:00 | Atelier des Lumières, 38 Rue Saint-Maur, Paris, França
A exposição imersiva Chagall, Paris – New York é dedicada ao pintor prolífico e inclassificável Marc Chagall (1887–1985) no Atelier des Lumières. Esta exposição digital única apresenta todo o seu trabalho, revelando uma obra enraizada em seu tempo, no cruzamento das novidades artísticas e culturais de seu século e em constante renovação. Paris e Nova York, capitais emblemáticas da arte moderna, representam duas etapas cruciais na longa carreira do artista. Paris foi a cidade escolhida e, graças às vanguardas dos anos 1910, forneceu ao jovem pintor russo um acervo de obras experimentais, que ele enriqueceu com suas próprias referências culturais. Nova York foi principalmente um lugar de exílio durante a década de 1940, mas deu um novo ímpeto à criatividade do artista. Depois da guerra, várias exposições e grandes encomendas reforçaram os vínculos entre Paris e Nova York e trouxeram Chagall de volta aos Estados Unidos, até a década de 1970. Durante esta exposição imersiva, todos os temas e imagens presentes no repertório do artista são projetados nas paredes do Atelier des Lumières, como imagens recortadas entrelaçadas. Eles são complementados por pequenos trechos de música clássica, klezmer e jazz, que também fizeram parte do universo cultural de Chagall. Seu fantástico bestiário, seus maravilhosos personagens de circo, fábulas e ópera, assim como episódios bíblicos e referências à cultura russa, evocam poeticamente as ricas experiências de vida do artista, que naturalmente ressoam com as experiências coletivas de seu povo e geração. Como testemunha dos maiores eventos históricos do século XX – do mais sombrio ao mais edificante – Chagall transformou sua arte ousada e imaginativa em um instrumento de compromisso, paz e esperança.

"Diálogos com cor e luz" no MAM
2023-03-03 10:00 - 2023-09-17 18:00 | MAM SP, Av. Pedro Álvares Cabral, s/n° - Parque Ibirapuera, São Paulo, SP, Brasil
Com curadoria de Cauê Alves e Fábio Magalhães, Diálogos com cor e luz é uma exposição voltada para a difusão da coleção do Museu de Arte Moderna de São Paulo, que apresenta exclusivamente trabalhos desse acervo. Aqui, é reunido um pequeno recorte de obras com ênfase nas relações entre a cor e a luz na arte brasileira da segunda metade do século 20. Foram agrupadas no espaço, várias gerações de artistas, sem privilegiar tendências nem estabelecer uma ordem cronológica. Misturamos tempos e linguagens, para incentivar o olhar à percepção de semelhanças e diferenças entre as várias poéticas visuais nos diversos tratamentos da luz e da cor. A museografia distribuiu no espaço os painéis radiais, numa referência ao disco de cores – ou seja, ao experimento óptico de Isaac Newton (1643-1727), publicado em 1707 em seu livro Opticks. Nele, o físico inglês demonstra, por meio de um disco de sete cores, sua teoria de que a luz branca do Sol é formada pelos matizes do arco-íris. Ao girarmos o disco com velocidade, as cores se sobrepõem em nossa retina e nos fazem enxergar o branco. A seleção de obras, ao enfatizar os diálogos com a cor e a luz em diversos suportes, chama atenção para a luz como elemento fundante da percepção. Trabalhar com a luz significa que temos de lidar também com a sombra, a escuridão ou a ausência de luz. E nos interessa justamente o primeiro contato que temos com a cor, anterior às teorizações e aos sentidos que acrescentamos a ela. A cor é indissociável daquilo que ela expressa. Ela mesma já é expressão, não apenas a tradução de uma ideia ou sentido preconcebido. Fundamental é nos livrarmos dos sentidos já instituídos e sedimentados no campo da cultura, de conceitos anteriores ao vivido, para aí podermos ter a experiência com a duração da cor. Em vez de pensarmos a cor e a luz como elementos idealizados, o contato direto com a arte nos ajuda a restituir o vínculo originário com o mundo. Os diálogos entre luz e cor na arte nos mostram que o mundo pode ser surpreendente e nossa relação com ele, inesgotável.

"Homenagem a Picasso, a coleção ganha cores" no Musée Picasso Paris
2023-03-07 10:30 - 2023-08-27 18:00 | Musée Picasso Paris, 5 rue de Thorigny, Paris, França
No dia 8 de abril de 2023, foi marcado o cinquentenário da morte de Pablo Picasso, tornando o ano uma ocasião especial para celebrar sua obra e seu legado artístico na França, Espanha e internacionalmente. Como parte dessa celebração, o Museu Nacional Picasso-Paris convidou o renomado designer britânico Sir Paul Smith, conhecido por seu trabalho com cor, personalização e kitsch, para assumir a direção artística de uma exposição excepcional, destacando a coleção do museu. Essa exposição, realizada em colaboração com Sir Paul Smith, gira em torno das obras-primas da coleção. A abordagem singular que o designer traz para as obras convida o público a enxergá-las de uma perspectiva mais contemporânea, ressaltando a atualidade do trabalho de Picasso. Além disso, os universos criativos desses dois artistas se encontram em momentos especiais, compartilhando uma paixão por objetos, figurinos e brincadeiras, resultando em aproximações e uma disposição inventiva e espetacular das obras! O percurso da exposição é marcado por obras de artistas contemporâneos internacionais. Assim, Guillermo Kuitca, Obi Okigbo, Mickalene Thomas e Chéri Samba contribuem para essa mesma vontade de abrir novas perspectivas sobre o legado da obra de Picasso, questionando sua imagem ou incorporando algumas de suas inovações plásticas de maneira única e impactante.

"Funk You Too!" no Museum of Arts and Design
2023-03-08 10:00 - 2023-08-27 18:00 | Museum of Arts and Design, 2 Columbus Circle, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Funk You Too! Humor and Irreverence in Ceramic Sculpture reúne 50 obras de arte desde a década de 1960 até os dias atuais que destacam a argila como uma ferramenta cativante de crítica e sátira. Na exposição, peças de artistas da geração originária do Funk Art são colocadas ao lado de trabalhos de artistas contemporâneos que estão expandindo o legado de humor, subversão e figuração expressiva do Funk. As cerâmicas do Funk surgiram pela primeira vez na Costa Oeste na década de 1960, criadas por um grupo de artistas que compartilhavam uma visão anticonformista em relação às expectativas da “arte boa”. Embora conscientes da atitude irreverente e da estética de seus predecessores, a nova geração de artistas apresentada em Funk You Too! está examinando o potencial do humor na argila por meio de uma variedade de perspectivas. Ao levar o Funk para o futuro, esses artistas estão aproveitando o poder de uma boa piada para abordar algumas das questões sociais e políticas mais urgentes de nosso tempo.

"Yayoi Kusama: LOVE IS CALLING" no Pérez Art Museum Miami
2023-03-09 11:00 - 2024-02-11 18:00 | Pérez Art Museum Miami, 1103 Biscayne Blvd., Miami, Flórida, Estados Unidos
Um ícone da arte contemporânea, Yayoi Kusama (nascida em 1929, Matsumoto, Japão) entrelaça ideias de arte pop, minimalismo e psicodelia em suas pinturas, performances, apresentações em salas de grande dimensão, instalações esculturais ao ar livre, obras literárias, filmes, designs e intervenções arquitetônicas. LOVE IS CALLING é a maior e mais imersiva e caleidoscópica das Infinity Mirror Rooms da artista. Representando a culminação de suas conquistas artísticas, ela exemplifica a amplitude de seu vocabulário visual – desde as icônicas bolinhas e esculturas macias até cores brilhantes, a palavra falada e, o mais importante, reflexões infinitas e a ilusão de espaço. A sala espelhada e escurecida é iluminada por formas infláveis parecidas com tentáculos – cobertas pelas características bolinhas da artista – que se estendem do chão ao teto, mudando gradualmente de cor. À medida que os visitantes atravessam a instalação, uma gravação de áudio de Kusama recitando um poema de amor em japonês toca continuamente. Escrito pela artista, o título do poema se traduz como “Residing in a Castle of Shed Tears”. Explorando temas duradouros como a vida e a morte, o poema expressa de maneira comovente a esperança de Kusama em espalhar uma mensagem universal de amor por meio de sua arte.

Pastel Portraits no Getty Center
2023-03-14 10:00 - 2023-09-17 17:30 | Getty Center, 1200 Getty Center Dr Brentwood, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Artistas na Europa do século XVIII apreciavam a conveniência e versatilidade dos pastéis para fazer retratos, que variavam de semelhanças diretas a representações imaginárias. No entanto, as convenções sociais da época significavam que os homens tinham mais chances de comissionar retratos de si mesmos para exibição pública, enquanto as representações das mulheres tendiam a retratar musas ou figuras alegóricas. Esta instalação focada, principalmente da coleção do Museu, apresenta pastéis de duas das mais importantes artistas mulheres da Europa do século XVIII, Adélaïde Labille-Guiard e Rosalba Carriera. A exposição convida os visitantes a considerar: quem ganha um retrato e quem decide como ele é?

Philippe Cognée no Musée de l'Orangerie
2023-03-15 09:00 - 2023-09-04 18:00 | Musée de l’Orangerie, Jardin Tuileries Paris Département de Paris, Paris, Paris, França
Para o Musée de l’Orangerie, o artista concebe um conjunto de obras inéditas que lançam um olhar agudo e sutil sobre a série Nymphéas de Monet. Desde os anos 1980, Philippe Cognée optou pela pintura figurativa, contribuindo para sua renovação. Gradualmente, desenvolveu uma técnica que condiciona o surgimento das imagens. Embora geralmente partindo de fotografias, seu meio sempre é a pintura a cera, em que o artista derrete com um ferro de passar após isolar a camada pictórica. As formas se misturam, os contornos se desvanecem, criando efeitos de borrão ou fusão. A imagem, assim mantida à distância e distorcida, incorpora o acaso ao resultado final. A mostra traz um conjunto de pinturas inéditas, floresta, matagal e multidões que questionam tanto a percepção da paisagem quanto a pintura. Como alquimista, ele condensa a matéria, arranha, raspa, cobre novamente. As intervenções na tela, impregnadas de uma violência real e de um investimento físico do artista, contribuem para a presença da pintura, ainda mais do que para a representação dos assuntos, eles próprios impregnados de selvageria ou inquietação.
