ARTEQUEACONTECE

"Masterpieces from the Ancient Metropolis" no Pergamon
2018-11-17 09:00 - 2023-12-31 16:00 (America/Sao_Paulo) | Pergamon, 2 Am Kupfergraben Mitte, Berlim, Berlim, Alemanha
A parceria única firmada em 2011/2012 entre a Antikensammlung do Staatliche Museen zu Berlin e o artista Yadegar Asisi ganha sequência no edifício da exposição temporária “Pergamonmuseum. Das Panorama” com “Masterpieces from the Ancient Metropolis with a 360° Panorama by Yadegar Asisi”. Completamente atualizada pelo artista, a perspectiva em 360º do que teria sido a Antiga Metrópole de Pergamon vem acompanhada de destaques do acervo do Antikensammlung. O panorama leva os visitantes de volta ao ano 129 d.C., mostrando a antiga cidade de Pergamon, na costa oeste da Ásia Menor. Yadegar Asisi reconstrói a cidade como era na época do Alto Império Romano, sob o domínio do Imperador Adriano (117-138 d.C.). As imagens do primeiro panorama de Pergamon foram amplamente retrabalhadas. Em cooperação com a equipe do Antikensammlung, o artista concebeu cerca de 40 novas cenas e as justapôs no quadro. Uma elaborada sessão fotográfica em um estúdio cinematográfico de Berlim concluiu o trabalho em outubro de 2017. A exposição paralela foi planejada pelo Studio Asisi e incorpora aproximadamente 80 das obras mais importantes do Antikensammlung do Pergamon – incluindo a maior peça do friso Telephos do Altar do Pergamon. Durante a preparação para a exposição, os originais foram submetidos a uma extensa conservação e restauração, principalmente as grandes estátuas de mulheres do pátio do Altar de Pergamon e para as esculturas do topo. Com exceção da estátua de Athena Parthenos, da Biblioteca de Pergamon (emprestada ao Metropolitan Museum de Nova York), todas as esculturas famosas daquela cidade estão na mostra, incluindo a chamada “Cabeça Bonita” (a colossal cabeça de Héracles), as esculturas que retratam o rei, o “Dançarino Arcaico” do palácio, o grupo Prometheus e a Athena com aegis cruzada. Diferentes instalações aprofundam a experiência do visitante através da interpretação artística, trazendo desenhos recentemente criados por Yadegar Asisi que ilustram as esculturas de Pergamon, a arquitetura e o layout urbano.

"A São Paulo da Marquesa de Santos" no Solar da Marquesa de Santos
2021-02-27 10:00 - 2023-09-18 17:00 | Solar da Marquesa de Santos, 136 R. Roberto Símonsen Centro Histórico de São Paulo, São Paulo, São Paulo, Brasil
Uma mulher à frente do seu tempo, essa é a história de Domitila de Castro Canto e Melo – a Marquesa de Santos (1797-1867), contada na exposição A São Paulo Da Marquesa de Santos: Cumplicidade de um Cenário, com curadoria do historiador Paulo Rezzutti, em exibição no Solar da Marquesa de Santos (Museu da Cidade de São Paulo) no período de 27 de fevereiro de 2021 a 18 de setembro de 2023.

Por meio de documentos textuais e iconográficos, a curadoria da exibição nos apresenta a biografia da Marquesa de Santos, misturada com a vida política e social brasileira da Colônia ao Segundo Reinado, com a inserção na cidade de São Paulo, onde traços de sua passagem em seu tempo ainda podem ser encontrados em nosso espaço

Mais do que os símbolos físicos, como o Solar, a Rua da Figueira, o Cemitério da Consolação, a Faculdade de Direito de São Paulo, sua presença é lembrada por obras de benemerência, como a doação de uma casa para servir de enfermaria no combate à epidemia de cólera que assolava a cidade e o Brasil.

"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
2022-02-11 11:00 - 2023-11-12 18:00 | Brooklyn Museum, 200 Eastern Pkwy Brooklyn, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social, no qual as técnicas artísticas, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados, sem estar preso a uma cronologia rígida, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero, classe, trabalho, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet, Gustave Courbet, Berthe Morisot, Francisco Oller, Henri Matisse, Pablo Picasso, Yves Tanguy, Vasily Kandinsky, entre outros.

"Lugar-comum" no MAC USP
2022-03-12 10:00 - 2023-12-17 18:00 | MAC, 1301 Av. Pedro Álvares Cabral Vila Mariana, São Paulo, São Paulo, Brasil
Com a principal premissa de ser uma exposição colaborativa, a mostra LUGAR-COMUM, conta com curadoria de Ana Magalhães, Helouise Costa e Marta Bogéa, e acontece no MAC (Museu de Arte Contemporânea), no período de 12 de março de 2022 a 17 de dezembro de 2023.

Baseada na interação entre curadores e artistas unidos no propósito de trazer uma nova leitura sobre o acervo do museu, a exibição foi pensada como um “work in progress”, ou seja, como um trabalho em processo, que não necessariamente tem um fim, mas sim um progresso contínuo da construção das obras e da exposição. A proposta é abrir espaço para que a curadoria seja experimentada como um processo compartilhado entre as curadoras, os artistas selecionados para a mostra e os interlocutores convidados.

A escolha do título está na contramão da definição corrente que considera o lugar-comum como sinônimo de algo banal que perde a força de seu sentido original pelo excesso de repetição. Coloca em discussão a autoridade curatorial do museu, a relação entre arte e vida cotidiana e as possibilidades de renovação de um acervo institucional a partir de novas leituras resultantes dos diálogos possíveis entre diferentes modos de ver o mundo.

Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
2022-03-17 10:30 - 2025-10-11 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
O Whitney, em colaboração com o Hudson River Park , desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21), esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort, em frente ao Museu.

Proposto ao Whitney por Hammons, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos, dimensões e localização do galpão original – e, como a intervenção de Matta-Clark, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla.

Em conjunto com a realização do projeto, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York, 1970–1986 , uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos, incluindo a primeira série de podcasts do Museu, Artists Among Us , bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District, o papel dos artistas no bairro, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.

Isaac Julien no Tate Britain
2022-04-27 10:00 - 2023-08-20 18:00 | Tate Britain, Millbank, Londres, Reino unido
Esta é a maior exposição já dedicada ao trabalho do filmmaker e artista Isaac Julien, um dos mais importantes da atualidade. Esta mostra revela o escopo dos filmes e instalações iniciais de Isaac Julien do começo da década de 1980 até os dias de hoje. Esta exposição também destaca o pensamento crítico do artista e a forma como seu trabalho é capaz de quebrar barreiras, transitando entre diversas mídias com desenhos, filmes, dança, fotografia, música, teatro , pinturas e esculturas. Nesta ocasião o visitante conhecerá trabalhos que vão de filmes antigos a videoinstalações em escalas enormes e multi-telas.

"Moderno Eu" no Museu Lasar Segall
2022-04-30 08:00 - 2023-03-27 17:00 | Museu Lasar Segall, 111 Rua Berta Vila Mariana, São Paulo, São Paulo, Brasil
Com a exposição Moderno Eu o Museu Lasar Segall participa das celebrações em torno do centenário da Semana de Arte Moderna de 1922. Ainda que Segall não vivesse no país naquele ano, sua contribuição ao movimento de renovação estética no Brasil é notável, desde sua primeira passagem pelo país, em 1913, até as diversas ocasiões em que, a partir de 1924, o artista se empenhou na aproximação da arte moderna com o público brasileiro.

No Brasil da década de 1920, para onde Lasar Segall emigrou, a recepção ao modernismo era menos entusiasmada. Fora do pequeno círculo de intelectuais envolvidos com a sua promoção, aos quais ele logo se ligou, o modernismo era pouco compreendido.

Lasar Segall assumiu a tarefa de convencer o público brasileiro da necessidade e da legitimidade da arte moderna. Além de pintar, publicou textos na imprensa, realizou conferências e exposições e se uniu a outras pessoas que desejavam, como ele, promover a vertente moderna no Brasil. Nesta exposição, apresentamos alguns desses momentos por meio de uma seleção de obras, documentos e fotografias em que ainda estão presentes os vestígios do entusiasmo, das paixões e das lutas em torno da causa modernista.

"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
2022-05-07 10:30 - 2026-01-04 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia, bem como as mudanças culturais, como o sufrágio feminino, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias, novos planos e novas esperanças”.

Alguns dos artistas apresentados nesta exposição, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley , são bem conhecidos hoje, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto.

Esta exposição é organizada por Barbara Haskell, curadora.

Hélio Oiticica no Pérez Art Museum Miami
2022-06-18 11:00 - 2023-06-05 18:00 | Pérez Art Museum Miami, 1103 Biscayne Blvd., Miami, Flórida, Estados Unidos
Hélio Oiticica, um dos artistas mais consagrados do Brasil, é uma figura importante na história da arte do final do século XX. Estendendo-se desde meados da década de 1950 até a morte do artista, a trajetória de sua produção começa com pinturas pequenas, abstrato-geométricas, e termina em ambientes imersivos carregados de sensações e projetos participativos politicamente carregados. Oiticica criou várias instalações penetráveis, nas quais o espectador mergulha em cores dentro de ambientes que evocam e celebram as comunidades das favelas do Rio de Janeiro. Penetrável Macaléia (1978) está entre as últimas variações dessa forma concebida por Oiticica. Dedicada a Jards Macalé, famoso músico que era um querido amigo do artista, o projeto dessa obra foi inspirado em uma festa épica na casa de Macalé, descrita vividamente por Oiticica em suas anotações. Luzes de palco iluminavam os artistas nessa estrutura, cobrindo seus corpos de vermelho, azul e amarelo. Ao entrar na instalação Penetrável Macaléia, as telas de malha vermelha, azul, amarela e branca brincam sutilmente com a percepção, lançando cores cintilantes no mundo exterior e dentro dela. Desmaterializando as laterais do objeto, o efeito se combina com a cativante história por trás da obra para subverter a seriedade pesada e austeridade da arte minimalista e sua forma icônica, o cubo. Com a adição de cascalho e plantas vivas, a obra traz de forma lúdica o “mundo real”, especificamente o Sul Global, para o espaço asséptico da arte. Penetrável Macaléia funciona brilhantemente tanto dentro quanto fora, sempre interagindo com seu entorno e seus participantes, fundindo arte e vida.

"Phraseology" no The Bass
2022-07-30 12:00 - 2023-06-11 17:00 | The Bass Museum of Art, 2100 Collins Ave City Center, Miami, Flórida, Estados Unidos
Apresentando obras da Coleção The Bass e obras emprestadas, a exposição Phraseology explora a linguagem na arte moderna e contemporânea. O termo “phraseology” faz referência à escolha específica de palavras que um comunicador, neste caso o artista, usa para destacar certos temas. Com o surgimento do movimento da Arte Conceitual na década de 1960, muitos artistas começaram a criar obras de arte que valorizavam uma ideia ou conceito em detrimento da obra finalizada. Os artistas queriam redefinir o que a arte poderia ser e os temas que ela abordava, além da estética visual. Em Phraseology, os artistas mesclam forma e ideia criando obras que contêm texto, frases familiares e poesia. Também empregam linguagens possíveis de reconhecer, frases ou slogans que fornecem modos conflitantes de observação para transmitir uma perspectiva nova ou diferente. Ao colocar o texto no papel central de sua prática artística, os artistas utilizam jogos de palavras, ativismo político, subversão da publicidade ou apropriação de forma para revelar, amplificar e questionar histórias e questões contemporâneas. As obras em Phraseology enfatizam o poder pessoal de expressão por meio do discurso cívico durante um período de aumento do ativismo. Como base da comunicação, a linguagem dá voz aos pensamentos internos, conectando os sentimentos de alguém ao mundo exterior. A linguagem constrói textos, livros, discursos, poesia e documentos para facilitar a troca de ideias entre as pessoas, enquanto circula informações por meio de redes sociais e culturais. Ao longo da história, os artistas incluíram palavras, letras e linguagem como elementos em seu trabalho para fazer uma declaração, despertar emoção ou integrar experiências pessoais em sua obra.

Eustáquio Neves no Sesc Ipiranga
2022-09-06 09:00 - 2023-02-26 21:30 | Sesc Ipiranga, 822 R. Bom Pastor Ipiranga, São Paulo, São Paulo, Brasil
Composta de 70 obras, entre fotografias e vídeos, “Outros Navios: Fotografias de Eustáquio Neves” reúne séries do início dos anos 1990, como Objetificação do Corpo (1994), séries inéditas como as Fotopinturas, com obras realizadas em 2022, assim como “Outros Navios”, série em andamento e que dá nome à exposição.

Entre os trabalhos de videoarte – mais raros na produção de Eustáquio –, será exibido Post No Bill (2009), em que o cotidiano marcado pelo trânsito e vaivém incessante de pedestres nas ruas de Lagos, na Nigéria, mistura-se com a arte jovem encontrada na favela de Bariga, no subúrbio da cidade. Essa obra será exibida pela primeira vez, em três telas simultâneas.

"Hyperréalisme" no Museu Maillol
2022-09-08 10:30 - 2023-03-05 18:30 | Museu Maillol, 59-61 Rue de Grenelle Paris, Paris, Paris, França
Co-produção do Tempora e do Institut für Kulturaustausch com o Musée Maillol, a exposição itinerante “Hyperréalisme – Ceci n’est pas un corps”, em cartaz no Musée Maillol em uma versão ampliada e parcialmente nova, faz um mergulho no mundo perturbador do hiperrealismo, movimento artístico que surgiu nos anos 1960 nos Estados Unidos cujas técnicas têm sido exploradas por muitos artistas contemporâneos desde então. Nela, podem ser vistas várias esculturas que abalam nossa visão de arte. Realidade, arte ou cópia? O artista hiperrealista vira as costas para a abstração e procura alcançar uma representação meticulosa da natureza a tal ponto que os espectadores às vezes se perguntam se estão lidando com o corpo vivo. Estes trabalhos geram uma sensação de estranheza, mas são sempre significativos. O subtítulo da exposição se refere à famosa obra de René Magritte “Ceci n’est pas une pipe”, que questionava a relação da arte com a realidade. Alguns dos artistas expostos se esforçam para dar ao corpo humano a representação mais fiel e vívida possível, enquanto outros, ao contrário, questionam a noção de realidade: novas tecnologias, deformações. A exposição reúne mais de 40 esculturas de importantes artistas internacionais, incluindo George Segal, Ron Mueck, Maurizio Cattelan, Berlinde De Bruyckere, Duane Hanson, Carole A. Feuerman e John DeAndrea, entre outros.

“Um Defeito de Cor” no Museu de Arte do Rio
2022-09-10 11:00 - 2023-05-01 17:00 | Museu de Arte do Rio, 5 Praça Mauá Centro, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil
A exposição é baseada nos contextos sociais, culturais, econômicos e políticos do século XIX, abordados no livro de mesmo nome da escritora mineira Ana Maria Gonçalves. Ao todo serão 400 obras de artes entre desenhos, pinturas, vídeos, esculturas e instalações de mais de 100 artistas de localidades, como Rio de Janeiro, Bahia, Maranhão e até mesmo do continenteafricano, em sua maioria negros e negras, principalmente mulheres. A exposição tem obras inéditas de Kwaku Ananse Kintê, Kika Carvalho, Antonio Oloxedê, Goya Lopes, produzidas especialmente para homenagear o livro.

"Moderna pelo avesso" no IMS
2022-09-13 10:00 - 2023-02-26 20:00 | IMS, 2424 Av. Paulista Bela Vista, São Paulo, São Paulo, Brasil
“Moderna pelo avesso: fotografia e cidade, Brasil, 1890-1930” apresenta a produção fotográfica realizada em algumas das principais capitais do país — Porto Alegre, São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Recife e Belém — durante a Primeira República, de 1889 a 1930.

A mostra documenta as reformas urbanas que aconteceram no período e mudaram radicalmente a paisagem das cidades. A partir de um conjunto de 320 fotos e filmes pouco conhecidos pelo público, a exposição destaca as destruições e apagamentos ocasionados por esses processos de modernização. O conjunto inclui desde imagens produzidas por fotógrafos já reconhecidos pela história, como Vincenzo Pastore, Alberto de Sampaio e Augusto Malta, até nomes menos conhecidos, como Francisco Rebello, que registrou a vida nas ruas e o Carnaval do Recife nos anos 1920; e o botânico Jacques Huber, que fotografou a flora amazônica e a procissão do Círio de Nazaré, em Belém, nos anos 1900.

"CRIA_experiências de invenção" no Centro Cultural Fiesp
2022-09-14 10:00 - 2023-02-19 20:00 | Centro Cultural Fiesp, Bela Vista São Paulo SP, São Paulo, São Paulo, Brasil
Com curadoria de Marconi Drummond, CRIA_experiências de invenção reúne esculturas sonoras, máquinas-livro, fotografias, jogos ancestrais, poesia visual, videoarte, intervenções gráficas, entre outras manifestações. O título da exposição é baseado nas palavras criação, criança e cria – significados conectados à criatividade e como sinônimo de filhote. “CRIA já anuncia no seu nome a potência da (re)invenção e solicita um espectador emancipado”, comenta o curador. Ainda segundo Drummond, diferente da maior parte dos adultos, que alimentam a ideia da arte intocável e até mesmo inacessível, as crianças são movidas pela curiosidade e pela capacidade investigativa, livres de prejulgamentos. “Elas são inusitadas e imprevisíveis”, observa Marconi. A ideia, inclusive, é que os adultos percebam em CRIA novas maneiras de se relacionar com a arte contemporânea – observando e trocando experiências com os pequenos. “As crianças são devotas do experimento e acabam provocando os adultos a vivenciar a arte de uma forma mais livre”, observa o curador. A exposição CRIA permite diferentes percursos e conta com uma equipe de educadores para mediar a experiência do público. Mais que uma exposição de artes visuais, CRIA permite vivências plurissensoriais e o acesso a diferentes saberes culturais, com elementos da música, da literatura, das artes visuais e das invenções populares. A mostra reúne 31 trabalhos dos artistas Cao Guimarães, Guilherme Mansur, Guto Lacaz, O Grivo, Origem (Patrícia Sabino e Maurício Lima), Regina Silveira, Stela Barbieri, Warja Lavater, Cássia Macieira e Bruno Rios, além dos fotógrafos José Medeiros, Otto Stupakoff e Thomaz Farkas.

Frida Kahlo no Palais Galliera
2022-09-15 10:00 - 2023-03-05 18:00 | Palais Galliera, 10 Av. Pierre 1er de Serbie Paris, Paris, Paris, França
Pela primeira vez na França e em estreita colaboração com o Museo Frida Kahlo, a exposição reúne mais de 200 objetos da Casa Azul, onde Frida Kahlo (1907-1954) nasceu e cresceu: roupas, correspondência, acessórios, cosméticos, remédios, próteses médicas… Quando a artista morreu, esses pertences pessoais foram fechados e lacrados por seu marido, o muralista mexicano Diego Rivera, e só foram redescobertos cinqüenta anos mais tarde, em 2004. Essa preciosa coleção – incluindo os tradicionais vestidos Tehuana, colares pré-colombianos que Frida colecionou, espartilhos pintados à mão e próteses, entre outras peças – é apresentada, juntamente com filmes e fotografias da artista, para formar uma narrativa visual de sua vida extraordinária. Longe dos clichês que envolvem sua personalidade, a exposição “Frida Kahlo, Au De-Là des Apparances” convida os visitantes a entrar na intimidade da artista e a entender como ela construiu sua identidade através da forma como se apresentou e se representou.

"Donnation Anni et Josef Albers" no Musée d'Art Modérne de Paris
2022-09-16 10:00 - 2023-06-25 18:00 | Musée d’Art Moderne de Paris, 11 Av. du Président Wilson Paris, Paris, Paris, França
Após a grande exposição Anni et Josef Albers, L’art et la vie, organizada pelo Musée d’Art Moderne de Paris de setembro de 2021 a janeiro de 2022, a Fundação Josef e Anni Albers, localizada em Bethany, Connecticut, fez uma doação excepcional de cinqüenta e sete obras. A doação inclui vinte e duas obras de Josef Albers (1888-1976), incluindo três obras da série Homage to The Square e trinta e cinco obras de Anni Albers (1899-1994), entre as quais catorze amostras têxteis inspiradas em motivos criados pela artista. O conjunto está em exibição junto das coleções permanentes do MAM. Esta doação é a mais importante feita pela Fundação após a morte dos dois artistas. Ela representa um grande enriquecimento para o museu que, até agora, não tinha nenhuma obra de nenhum dos artistas em suas coleções. Nicholas Fox Weber, diretor da Fundação Josef e Anni Albers, disse: “Essa doação é o resultado da estreita colaboração entre as equipes do Musée d’Art Moderne de Paris e da Fundação Albers. Estou certo de que Anni e Josef Albers teriam admirado as ousadas escolhas artísticas do Musée d’Art Moderne”. Representando todas as etapas criativas dos dois artistas – desde seu início na Bauhaus, passando pelo Black Mountain College, depois em Connecticut e notavelmente (para Josef) na Universidade de Yale – essas cinqüenta e sete obras são significativas da gama de técnicas e materiais utilizados pelo Albers: pintura, tecelagem, desenho, fotografia e vários processos de impressão. Nascidos na Alemanha, Anni e Josef Albers se conheceram em 1922 na Escola Bauhaus e casaram três anos mais tarde. Em 1933 eles emigraram para os Estados Unidos, onde foram convidados a ensinar no Black Mountain College, uma escola experimental nas montanhas da Carolina do Norte. Nesse novo ambiente, Josef aprofundou sua pesquisa sobre cores enquanto Anni continuava a explorar diferentes técnicas de tecelagem. A ligação íntima e cúmplice entre eles permitiu-lhes apoiar e fortalecer um ao outro ao longo de suas vidas em um diálogo permanente e respeitoso. Com particular atenção a forma, material e cor, eles produziram um conjunto de trabalhos que é considerado hoje como um dos fundamentos da arte moderna e teve uma influência considerável na História da Arte do século 20. Seu trabalho, como artistas, mas também como professores, consiste em levantar constantemente novas questões através da observação sensível do mundo visual e tátil.

Atos de revolta no MAM
2022-09-17 10:00 - 2023-05-28 18:00 | MAM Rio, 85 Av. Infante Dom Henrique Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil
O MAM Rio inaugura a exposição Atos de revolta: outros imaginários sobre independência, desenvolvida em colaboração com o Museu da Inconfidência. Com curadoria de Beatriz Lemos, Keyna Eleison, Pablo Lafuente e Thiago de Paula Souza, a mostra parte do bicentenário da independência do Brasil para propor uma releitura desse processo histórico desde a arte, reunindo obras e objetos do período colonial, em diálogo com a produção de artistas contemporâneos, de gerações e geografias diversas.

A exposição foca em uma série de levantes populares e motins que antecederam esse momento ou que ocorreram nas décadas subsequentes – durante o Primeiro e o Segundo Reinado, e o período regencial. Foram convidados a pensar essa história desde os múltiplos levantes: Arissana Pataxó, Ana Lira, Elian Almeida, Gê Viana, Gustavo Caboco Wapichana (com Roseane Cadete Wapichana), Marcela Cantuária (com a colaboração das Brigadas Populares), Tiago Sant’Ana e Giseli Vasconcelos (com Pedro Victor Brandão). Além dos comissionamentos, a exposição inclui a remontagem de uma obra de Luana Vitra e trabalhos recentes de Arjan Martins, Glicéria Tupinambá, Paulo Nazareth e Thiago Martins de Melo.

Maria Bartuszová no Tate Modern
2022-09-20 10:00 - 2023-06-25 18:00 | Tate Modern, Bankside, Londres, Reino unido
Reunindo muitas obras pouco vistas antes no Reino Unido, essa exposição retrospectiva apresenta as esculturas abstratas da artista eslovaca nascida em Praga Maria Bartuszová (1936-1996), que dedicou sua arte a explorar as relações entre as pessoas, a natureza, a matéria e a forma. Nascida em Praga, ela passou a maior parte de sua carreira na cidade eslovaca da Europa Central de Košice, perto das fronteiras da Hungria e da Ucrânia. A artista definiu o mundo da escultura em seus próprios termos, utilizando métodos inovadores de fundição de gesso. De gotas de chuva e ovos ao corpo humano, Bartuszová se inspirou nas formas e ciclos orgânicos do mundo natural. Ela trabalhou de forma criativa e incansável, usando o processo fugaz e líquido de fundição para criar obras de arte simultaneamente sólidas e delicadas. A exposição abrange 30 anos de prática de Bartuszová, desde o início dos anos 1960, quando começou sua experimentação com a fundição, até o final dos anos 1980. As esculturas em gesso branco abstrato da artista retêm a presença de seu corpo. Seu toque deixou vestígios, seja a pressão da mão estampada pela gravidade ou debaixo d’água, ou moldada pela respiração, usando sua técnica radical de fundição de gesso com balões inflados. Bartuszová se baseou em sua experiência pessoal e em suas ideias sobre espiritualidade, interconexão entre as pessoas e a natureza, e os ciclos das estações. Ela criou um novo vocabulário artístico e escultórico com foco na contínua transformação das formas. Bartuszová trabalhou durante três décadas em Košice, a segunda maior cidade da Eslováquia. Ela criou cerca de 500 esculturas, desde pequenas formas orgânicas até comissionamentos para espaços públicos, bem como land art, apesar das restrições à sua vida artística durante este período. A exposição começa nos anos 1960, quando Bartuszová experimentou usando seu próprio método distinto de fundir gesso à mão. Inspirada em brincar com sua jovem filha, ela criou formas abstratas vertendo gesso em balões de borracha – seu material de assinatura era o gesso branco, dando às esculturas uma qualidade frágil. As esculturas foram moldadas por meio de pressão, puxões ou submersão em água, criando formas únicas e distintas. Algumas sugerem gotas de chuva, sementes ou ovos, outras, o corpo humano. Mais tarde, ela permitiu que os balões rebentassem, criando trabalhos delicados semelhantes a casulos ou ninhos. Nos anos 1980, Bartuszová frequentemente fotografou suas obras ao ar livre para enfatizar seus laços estreitos com a natureza. A exposição também inclui uma seleção dessas imagens marcantes.

André Derain no Musée de l'Orangerie
2022-09-21 09:00 - 2023-03-06 18:00 | Musée de l’Orangerie, Jardin Tuileries Paris Département de Paris, Paris, Paris, França
Influenciado pelos grandes mestres, André Derain (1880-1954) retornou a uma produção mais clássica durante o período entre as guerras. Mais do que um simples “retorno à ordem”, suas paisagens da Provença, valorizadas por Paul Guillaume, revelam uma reflexão muito intensa sobre a luz. André Derain é o pintor mais representado na coleção do Musée de l’Orangerie, com cerca de trinta quadros. Entre elas, seis paisagens produzidas por volta de 1930 lembram o apego do artista à natureza, que ele tem pintado constantemente desde o início de sua adesão ao fauvismo. Com mais de duzentas pinturas paisagísticas nesse período, quase todas passando pelas mãos de Paul Guillaume, esta amostra é reveladora do trabalho de Derain. Os seis quadros da exposição “André Derain – Paysages Méridionaux” são acompanhados por documentos que ilustram a relação do artista com a pintura clássica (Poussin, Courbet, Corot, Cézanne), seu lendário mas controverso status artístico, sua relação com o marchand Paul Guillaume e sua pesquisa mais teórica sobre a natureza da arte.

Jumana Manna no MoMA PS1
2022-09-22 12:00 - 2023-04-17 18:00 | MoMA PS1, 22-25 Jackson Ave LIC, Nova York, Nova York, Estados Unidos
“Break, Take, Erase, Tally”, primeira grande individual de Jumana Manna nos EUA, mostra a pesquisa multidisciplinar da artista, que explora os efeitos paradoxais das práticas de preservação na agricultura, na ciência e no direito. Marcando a estreia em Nova York do novo filme de Manna, “Foragers” (2022), a exposição reúne quase 20 obras, incluindo dois filmes recentes e uma série de esculturas novas e anteriores. Enfocando a terra diante das formas crescentes de sua alienação, os filmes de Manna usam uma série de métodos narrativos para examinar como as práticas baseadas na terra (agricultura e forragem, por exemplo) estão envolvidas e lutam contra as políticas neoliberais e coloniais e, por sua vez, contra as mudanças climáticas. Extraído de exemplos específicos, como a primeira retirada do Cofre Global de Sementes de Svalbard em 2015 em resposta à guerra síria (tema de seu filme “Wild Relatives”) Manna” ressalta as limitações científicas na recuperação da perda de vidas biológicas, em todas as suas formas. Seu trabalho visualiza a lenta violência da agricultura industrial enquanto faz perguntas pungentes sobre que tipo de futuro é possível em um presente precário. Em seu novo filme, “Foragers”, Manna se move entre documentário e ficção para abordar confrontos crônicos entre colhedores palestinos de ervas selvagens ‘akkoub e za’atar e a Autoridade Israelense de Proteção da Natureza, que considerou as plantas ameaçadas de extinção. A recusa dos foragidos e as punições que enfrentam, devido a grandes multas e tempo de prisão em potencial, às vezes assumem um tom absurdo e cômico que levanta questões-chave em torno da política de extinção – principalmente, quem determina o que vive e como vive. Em ambos os filmes da artista, plantas e sementes são temas primários, e a relação entre o trabalho humano e a terra é essencial para suas estruturas narrativas. A exposição também apresenta uma nova instalação em larga escala de esculturas que se inspiram nos restos fragmentados de khabyas, estruturas tradicionais e agora obsoletas para o armazenamento de grãos no Levante. As esculturas são colocadas em diálogo com suas características assemblages de rodapés industriais, que usam materiais encontrados no ambiente urbano, em lugares como canteiros de obras e sistemas de drenagem. Através da escultura e do filme, as obras da artista exploram a terra e seus ritmos como base para formas de vida que também podem servir para resistir, fugir e transformar estruturas de poder hegemônico.

Cézanne no Tate Modern
2022-10-05 10:00 - 2023-03-12 18:00 | Tate Modern, Bankside London Greater London, Londres, Inglaterra, Reino unido
Enfocando as tensões e contradições na obra de Paul Cézanne (1839-1906), essa ampla retrospectiva busca entender o artista em seu contexto, como um jovem pintor ambicioso do sul do Mediterrâneo ansioso pela fama na Paris metropolitana. Apresentando muitas obras pela primeira vez no Reino Unido, a mostra segue a luta de Cézanne entre a busca do reconhecimento oficial e a adesão aos impressionistas emergentes antes de perseguir incansavelmente sua própria linguagem, num mundo em crescente aceleração.

Monet-Mitchell na Fundação Louis Vuitton
2022-10-05 11:00 - 2023-02-27 20:00 | Fundação Louis Vuitton, 8 Av. du Mahatma Gandhi Paris, Paris, Paris, França
A exposição “Monet – Mitchell” encena um diálogo original entre as obras de dois artistas excepcionais, Claude Monet (1840-1926) e Joan Mitchell (1925-1992), ocupando dez galerias na Fondation Louis Vuitton. A exposição é dividida em duas partes: “Monet – Mitchell” apresenta a resposta de cada artista à sua paisagem comum, e “Joan Mitchell Retrospective” apresenta obras monumentais que abrangem a carreira da pintora, uma dúzia das quais são da coleção da instituição francesa. Tanto Mitchell quanto Monet viveram ao longo das margens do Sena – em Vétheuil e nas proximidades de Giverny, respectivamente – por períodos cruciais de suas vidas, e ambos criaram trabalhos em resposta a este ambiente. Para Monet, isto resultou em suas pinturas “Nymphéas”, enquanto Mitchell produziu suas famosas composições abstratas. Com trinta e seis obras de Monet e vinte e quatro de Mitchell, “Monet – Mitchell” foi organizada em colaboração com o Musée Marmottan Monet, que emprestou vinte e cinco pinturas do artista francês. A exposição também reúne dois grupos excepcionais de trabalho: dez quadros da série “La Grande Vallée”, de Joan Mitchell (1983-84), reunidos quase quatro décadas após sua exposição fragmentária na Galerie Jean Fournier, em 1984, e o tríptico “Agapanthus”, de Monet (ca. 1915-1926), que será exibido em sua totalidade pela primeira vez em Paris. A retrospectiva de Joan Mitchell inclui cerca de cinqüenta obras da artista, incluindo seus polípticos dos anos 1970, sua homenagem a Vincent van Gogh, “No Birds” (1987-88), e “South” (1989), sua versão de “Sainte-Victoire”, de Cézanne, entre outros.

"To Begin Again: Artists and Childhood" no Institute of Contemporary Art
2022-10-06 10:00 - 2023-02-26 17:00 | Institute of Contemporary Art, 25 Harbor Shore Dr South Boston Waterfront, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
A exposição propõe uma ampla pesquisa da arte dos séculos 20 e 21 a partir da abordagem da ideia de infância em trabalhos de artistas como Njideka Akunyili Crosby, Francis Alÿs, Jean-Michel Basquiat, Jordan Casteel, Paul Klee, Glenn Ligon, Oscar Murillo, Faith Ringgold, e muitos outros. A infância, um tema de significado universal e experiência pessoal, fornece uma estrutura plausível para compreender o passado e imaginar o futuro. To Begin Again: Artists and Childhood investiga a influência das crianças e da infância sobre os artistas visuais desde o início do século 20 até hoje. Embora os artistas tenham sido inspirados pelas crianças por sua imaginação, criatividade e formas únicas de ver e estar no mundo, o campo da História da Arte tem subestimado amplamente a influência das crianças e o assunto da infância. Através de obras de arte impactantes, essa coletiva ilustra as diversas experiências da infância e também aborda essa fase da vida humana por seu aspecto intelectual de aquisição da linguagem e do aprendizado. As seis seções temáticas de To Begin Again exploram como os artistas têm lidado com questões importantes de autoexpressão, criatividade, poder, cuidado, trabalho e aprendizagem através de seu engajamento com a infância. Nas palavras da poeta e escritora June Jordan, “As crianças são as formas como o mundo começa de novo e de novo”. A exposição apresenta um grupo internacional e intergeracional de 40 artistas cujos trabalhos em pintura, escultura, fotografia, instalação e vídeo oferecem pontos de vista e experiências distintas. Os artistas apresentados –muitos deles também pais de crianças– fizeram obras de arte que envolvem crianças como colaboradores; imitam suas formas de desenhar ou contar histórias; e abordam idéias de inocência, espontaneidade e dependência intimamente associadas às crianças. Essas obras, juntamente com uma seleção de trabalhos de nomes jovens, revelam a ideia multiforme da infância como a base sobre a qual a sociedade é construída, imaginada e negociada. To Begin Again convida o público de todas as idades a considerar como as crianças e a infância inspiraram os artistas a fazer seus trabalhos e, por sua vez, como seus trabalhos refletem, contribuem e desafiam as percepções da infância.

Soheila Sokhanvari no Barbican Centre
2022-10-07 09:30 - 2023-02-26 23:00 | Barbican Centre, Silk St Barbican London, Londres, Inglaterra, Reino unido
Rebel Rebel, exposição que apresenta o primeiro grande comissionamento britânico para a artista iraniana Soheila Sokhanvari, comemora ícones feministas do Irã pré-revolucionário. Sokhanvari transforma a Curva do Barbican Centre em um espaço devocional, povoado de requintados retratos em miniatura de figuras culturais glamorosas do Irã. O projeto destaca as histórias raramente contadas dessas mulheres, que seguiram carreiras criativas em uma cultura apaixonada pelo estilo ocidental, mas não por suas liberdades. O espaço imersivo foi pintado à mão do chão ao teto com padrões geométricos baseados no design islâmico tradicional. Uma trilha sonora, composta pelo músico grego radicado em Londres Marios Aristopoulos, apresenta canções de cantoras iranianas icônicas da época. A exposição culmina com extravagantes esculturas espelhadas com projeções internas desenhadas a partir do documentário Filmfarsi (2019). Com humor e verve, Rebel Rebel explora as contradições da vida das mulheres iranianas no período que vai de 1925 até a Revolução Islâmica de 1979, um período explosivo de libertação e comercialização que se mostrou de curta duração. Quando Roohangiz Saminejad estrelou em Lor Girl (1932), o primeiro filme falado persa, as gravações tiveram de ser feitas em Bombaim, na Índia, porque era muito controverso para uma mulher iraniana aparecer em público sem um véu. A produção foi um grande sucesso de bilheteria, mas Saminejad sofreu um assédio terrível; mais tarde ela mudou seu nome e viveu o resto de sua vida no anonimato. No Barbican, ela é a primeira de 28 mulheres retratadas por Soheila Sokhanvari em miniaturas parecidas com joias. Cada uma é um trabalho de amor, pintada sobre couro de bezerro com um pincel de pelo de esquilo, usando a antiga técnica da têmpera do ovo. Esses trabalhos são colocados contra os murais épicos pintados à mão ao longo da parede de 90 metros, fazendo referência aos padrões islâmicos tradicionais, concebidos para tonificar o observador para que ele pudesse contemplar a vastidão do universo e a grandeza de Deus. Ao passar o monólito espelhado de Sokhanvari, baseado no monumento misterioso do clássico de ficção científica de Stanley Kubrick 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968), o espectador entra em um mundo no qual pintura, escultura e som se combinam para induzir uma espécie de delírio feminista. Tomando emprestado da canção icônica de David Bowie de 1974, Rebel Rebel presta homenagem à extraordinária coragem destas estrelas femininas, que seguiram sua carreira em uma cultura enamorada pelo estilo ocidental, mas não por suas liberdades sexuais, e lamenta seu destino, depois que a revolução de 1979 as deixou com uma escolha difícil: renunciar a qualquer papel na vida pública ou serem forçadas ao exílio. A paisagem sonora, que tece juntas as vozes de artistas icônicas como Googoosh e Ramsés, é especialmente pungente, pois continua sendo ilegal no Irã que uma mulher cante em público. A própria Sokhanvari fugiu para o Reino Unido quando criança, um ano antes do regime de Pahlavi ser derrubado; agora artista do Wysing Arts Centre, ela trabalha todos os dias representando poeticamente as complexidades da vida no Irã pré-Revolucionário. A entrada é franca.

"O Circo Chegou!" no Museu do Pontal
2022-10-08 10:00 - 2023-03-01 18:00 | Museu do Pontal, 3300 Av. Célia Ribeiro da Silva Mendes Barra da Tijuca, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil
Marcando o aniversário de 1 ano do Museu do Pontal em sua nova sede, a exposição “O Circo Chegou!”, com curadoria dos diretores do Museu do Pontal, Angela Mascelani e Lucas Van de Beuque, reúne cerca de 70 conjuntos de peças em torno da obra cinética “O circo”, do artista Adalton Fernandes Lopes (Niterói, 1938-2005), com mais de 100 personagens que se movimentam. Com mais de cem personagens, a obra é uma engenhoca de fabricação manual que usa diversos materiais reciclados e, muitas vezes, adapta peças e engrenagens, inventando sistemas para fazer movimentar figuras articuladas – palhaços, trapezistas, encantadores de serpentes, equilibristas, mágicos, músicos e dançarinos. Como ocorre no mundo poético da arte popular brasileira, essas máquinas são únicas, e trazem as marcas do pensamento criativo de seus autores. Em torno dela, estão reunidos trabalhos do acervo do museu de artistas como Antônio de Oliveira (Minas Gerais), Mestre Vitalino (Pernambuco), Ciça (Ceará), Claudio Henrique (Alagoas), Severino Vitalino (Pernambuco), Socorro Rodrigues (Pernambuco), Manoel Eudócio (Pernambuco), Mestre Abel (Maranhão), Vavan (Alagoas) e João das Alagoas. Vindas de coleções convidadas do Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, do SESC São Paulo e do Itaú Cultural, figuram também obras de Adauto Alves Pequeno (Rio de Janeiro), Henrique Huesca Hidalgo(São Paulo), Maria Cândido Monteiro (Ceará), Molina (São Paulo), Rita Huesca Hidalgo (São Paulo) e Véio (Sergipe). Dialogando com essas peças, fotografias sobre o universo circense completam a exposição, clicadas por grandes nomes históricos e contemporâneos como Cafi (Pernambuco), Celso Brandão (Alagoas), Claudio Edinger (Rio de Janeiro), Luiz Braga (Pará), Luiz Hossaka (São Paulo), Márcio Vasconcelos (São Paulo), Pierre Verger (França), Ratão Diniz (Rio de Janeiro e Walter Firmo (Rio de Janeiro), vindas do Instituto Bardi, Fundação Pierre Verger, Instituto Moreira Salles, Coleção Marta e Paulo Kuczynski e de acervos dos artistas. Inspirada pelo caráter nômade, que leva o circo a transitar por diferentes culturas, assumindo múltiplas identidades, a exposição reunirá ainda fotografias e filmes que abordam tanto o circo tradicional, de origem europeia, quanto os circos contemporâneos, bem como a comicidade presente nas festas populares, com seus palhaços fanfarrões, divertidos e animados, figuras típicas da folia de reis mineiras, dos reisados pernambucanos, dos guerreiros de Alagoas, do bate-bola carioca e do bumba-meu boi do Maranhão. O circo, de forte apelo lúdico, simboliza a complexidade e beleza da arte popular brasileira. Nos pequenos circos interioranos, o conhecimento sofisticado e invulgar se aprende de maneira autodidata, diluindo as fronteiras entre arte, sobrevivência e aventura. Para o curador e diretor do Museu do Pontal, Lucas Van de Beuque, “A exposição foi desenvolvida pensando o acervo em conexão com o universo vivo e pujante do circo e das culturas populares”.

Just Above Midtown no MoMA
2022-10-09 10:30 - 2023-02-18 17:30 | MoMA, 11 W 53rd St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Just Above Midtown – ou JAM – era uma galeria de arte e um laboratório artístico liderado por Linda Goode Bryant, voltado a artistas afro-americanos e negros. Aberto de 1974 a 1986, foi um lugar onde a arte negra floresceu e o debate foi cultivado. A galeria ofereceu oportunidades iniciais para artistas hoje muito reconhecidos, incluindo David Hammons, Lawrence D. “Butch” Morris, Senga Nengudi, Lorraine O’Grady, e Howardena Pindell. Nengudi descreveu a energia do JAM como “vibrante”, um espaço onde os artistas “recebiam carta branca, e não havia restrições”. Essa exposição apresenta artistas e obras de arte apresentadas e criadas no JAM em uma ampla variedade de meios. O material de arquivo e as intervenções artísticas contextualizam o ethos experimental que definiu a galeria.

Animada pela crença de Goode Bryant em tentar “nos conectar com nossa capacidade inata de usar o que temos para criar o que precisamos”, a galeria tomou o que era uma visão expansiva na época, abraçando artistas que trabalhavam com abstração e materiais baratos, vídeo e performance, assim como artistas autodidatas e da Costa Oeste. Ela organizou exposições que exploraram a ideia de mistura artística e racial, incentivou colaborações entre artistas e ofereceu uma plataforma para críticas consistentes sobre a comercialização da arte. Como parte de sua missão de construir relacionamentos com o público artístico da cidade, Goode Bryant e seus colaboradores incorporaram palestras e workshops na programação da galeria, incluindo “The Business of Being an Artist”, dirigido ao desenvolvimento profissional dos artistas, e “Brunch with JAM”, uma série de almoços de $5 com palestras de artistas e curadores de museus. A mostra inclui performances, exibições e programas públicos, assim como uma série de colaborações.

Lenora de Barros na Pinacoteca Luz
2022-10-10 10:00 - 2023-04-09 18:00 | Pinacoteca Luz, 2 Praça da Luz Luz, São Paulo, São Paulo, Brasil
Com curadoria de Pollyana Quintella, a exposição “Lenora de Barros: Minha Língua” enfoca as obras da artista que discutem as relações entre corpo e linguagem, produzidas desde o início de sua trajetória até um comissionamento especial para a Pinacoteca, “A cara. A língua. O ventre.” (2022), vídeo de três atos em que Lenora explora diferentes situações com argila em diálogo com seu próprio corpo. Reunindo cerca de 40 obras da paulistana, que usa a fotografia, o vídeo, a instalação e a performance como suporte, a mostra apresenta peças emblemáticas, como “Homenagem a George Segal” (1975-2014), “Poema” (1979) e a série “Procuro-me” (2003), em estreito diálogo com “Pinacoteca: acervo”, novo recorte de obras da coleção da instituição.

Barbara Chase-Riboud na Serpentine Gallery
2022-10-11 10:00 - 2023-04-10 18:00 | Serpentine Gallery, Londres Grande Londres Inglaterra, Londres, Inglaterra, Reino unido
Primeira individual no Reino Unido da artista, romancista e poeta Barbara Chase-Riboud (1939, Filadélfia, EUA, vive e trabalha em Paris), “Barbara Chase-Riboud: Infinite Folds” apresenta uma seleção de esculturas em larga escala ao lado de trabalhos em papel que datam dos anos 1960 até hoje. A mostra marca a estreia no Reino Unido de algumas peças inéditas e de algumas das obras mais célebres da obra abrangente da artista. Com uma carreira de mais de sete décadas, Chase-Riboud inovou na técnica escultórica e na materialidade pela interação entre dobras de bronze fundido ou alumínio e bobinas de lã e seda que são atadas, trançadas, enlaçadas e tecidas. Ao combinar materiais com diferentes qualidades, como duro e macio, leve e pesado, tátil e rígido, as obras de Chase-Riboud dão uma abordagem estética à base escultural através do uso de “saias” de fibra, ainda dentro do interesse da artista em formas artesanais que unem princípios opostos. Paralelamente à sua prática escultórica, Chase-Riboud é uma distinta poeta e escritora de ficção histórica. Ela obteve sucesso literário já com seu romance de estreia, “Sally Hemings”. Publicado em 1979, narra a relação romântica entre o presidente americano Thomas Jefferson e a mulher escravizada Sally Hemings, revelando que ela era a mãe de seis de seus filhos. Desde então, Chase-Riboud publicou mais de dez romances e coleções de poesia, incluindo “Ecos do Leão”, adaptado para as telas e conhecido internacionalmente como o aclamado “Amistad”. Comprometida com histórias e culturas transnacionais em primeiro plano, Chase-Riboud se inspira em sua experiência de viver, trabalhar e viajar pela Europa Ocidental e Oriental, Ásia Ocidental, Norte da África e Sudeste Asiático. Os encontros de Chase-Riboud com a arquitetura e escultura clássica e artefatos históricos de tradições ocidentais e não-ocidentais são a fonte de seu fascínio recorrente com o monumento público. Em sua série principal, “The Monument Drawings”, e através de uma seleção de esculturas que datam do final dos anos 1960, Chase-Riboud imagina edificações e memoriais em homenagem a várias figuras históricas, culturais, artísticas e literárias. Estas incluem, entre outras, Sarah Baartman, Malcolm X, a mãe de Peter Paul Rubens, Josephine Baker, a Rainha de Sabá e o Rei Salomão, Cleópatra, Anna Akhmatova e Lady Macbeth. Essas obras monumentais abrangem as noções de memória, legado e poder, levando a uma reflexão sobre quais pessoas e eventos são comemorados, e por quem. Em cartaz na Serpentine North, em Kensington Gardens, onde estátuas públicas emolduram a paisagem, “Barbara Chase-Riboud: Infinite Folds” destaca as figuras muitas vezes desconhecidas que continuam a moldar nossas impressões sobre o passado e o presente.
