Yun Hyong-Keun na David Zwirner

Essa é a primeira exposição individual do trabalho de Yun Hyong-Keun (1928-2007) em Paris desde 2006 e a terceira exposição individual do artista pela David Zwirner desde que a galeria começou a representá-lo em 2016. As pinturas e obras inéditas sobre hanji (papel de amora coreano) incluídas na exibição datam de 1979 a 1984, abrangendo os anos imediatamente anteriores e posteriores à residência de Yun em Paris, de 1980 a 1982, período que apesar de breve foi um período transformador para o artista, que lá pode experimentar a liberdade de expressão, ao contrário da repressão política em seu país de origem, a Coreia do Sul. As composições abstratas de Yun envolvem e transcendem os movimentos de arte e tradições visuais orientais e ocidentais, estabelecendo-o como um dos artistas coreanos mais significativos do século 20. Ele é a figura mais proeminente associada ao movimento Dansaekhwa (pintura monocromática), nome dado a um grupo de artistas coreanos influentes dos anos 1960 e 1970 que experimentaram as propriedades físicas da pintura e priorizaram a técnica e o processo. Quando criança, Yun observou a tradicional pintura literária coreana que seu pai praticava, do final do período Joseon. Ele também foi instruído por seu mentor Kim Whanki, um dos primeiros mestres da abstração coreana. Yun fundiu de forma única as preocupações formais dessas variadas disciplinas para gerar trabalhos sobre tela ainda relativamente incomuns no contexto da arte coreana daquela época, que considerava materialidade e temporalidade. Usando uma paleta restrita de marinho e marrom escuro, Yun criou suas composições sobrepondo camadas de tinta em tela crua ou linho, muitas vezes aplicando a próxima camada antes que a última tivesse secado. Ele diluía os pigmentos com terebintina, permitindo que eles penetrassem nas fibras do suporte, manchando seus materiais de maneira semelhante à tinta tradicional em hanji. Trabalhando diretamente no piso de seu estúdio, ele produziu esquemas simples de faixas verticais intensamente escuras, cercadas por áreas intocadas. A divisão foi suavizada pelas bordas embaçadas causadas pela absorção desigual de óleo e solvente, e as composições muitas vezes se desenvolveram ao longo de vários dias, até meses, com o artista adicionando camadas adicionais ou deixando os pigmentos sangrarem gradualmente. O resultado são pinturas de visual etéreo, reproduzindo a sensação ótica da caligrafia, das gravuras coreanas e de técnicas ancestrais em uma execução profundamente moderna.