“Darkness Against Nature” de Yoko Matsumoto na White Cube

A White Cube tem o prazer de apresentar a segunda exposição da artista japonesa Yoko Matsumoto na galeria, reunindo obras desde os anos 1980 até os dias atuais. “Darkness Against Nature” (Escuridão Contra a Natureza) leva seu título da obra mais antiga incluída na exposição; pintada em 1980, a obra exemplifica as preocupações conceituais da artista, que derivam da agência da cor e da fluidez da tinta.

Comprometida com a noção de “pintar apenas com cor e forma”, Matsumoto cria composições imersivas em uma paleta reduzida que articulam a primazia da expressão pictórica. A superfície turbulenta de “Darkness Against Nature” evita a representação e é moldada por um movimento dinâmico e fluido. Nela, a parte superior da tela é dominada por uma forma escura semelhante a um vórtice, cercada por lavagens de azuis, roxos, rosas, cinzas e brancos. Exalando presença, a composição parece manifestar duas forças opostas, presas em uma simbiose caótica ou tentando subsumir uma à outra. Como o título sugere, a obra fala dos atributos imateriais e intangíveis da natureza – luz, ar, névoa, nuvem e as infinitas mutações da sombra – mas também das profundezas inescrutáveis da interioridade.

Nesta exposição, a artista retorna à cidade que desempenhou um papel tão crucial no desenvolvimento de seu processo e instigou seu desejo de criar pinturas que “ninguém tinha visto antes”. Matsumoto estudou pintura a óleo na Universidade de Artes de Tóquio na década de 1950, onde lutou contra as limitações do meio, querendo manejar seu pincel “livremente e pintar sem restrições”. Em 1967, ela acompanhou seu marido, o crítico de arte Teruo Fujieda, primeiro para Cleveland e depois para Nova York, onde encontrou obras dos expressionistas abstratos e pintores do campo de cor, incluindo Helen Frankenthaler, Morris Louis, Mark Rothko e Jackson Pollock. Lá, ela também descobriu materiais indisponíveis no Japão na época, como tinta acrílica e tela de algodão crua e não preparada. A experiência provou ser formativa para a artista, e nos anos seguintes ela desenvolveu uma técnica que combinava a receptividade da tinta a óleo com a imediaticidade do acrílico, inspirando-se tanto na leveza das superfícies de Frankenthaler quanto na prática do desenho em tinta japonesa, suiboku-ga.

Na abstração expressiva e ainda exata de Matsumoto, a cor é uma força unificadora que determina a forma. Ela trabalha sem desenhos preliminares ou estudos, guiada por seus materiais, o impacto das condições externas, como o clima e a umidade, o acaso e seu próprio movimento físico. Trabalhando no chão com rapidez para responder às variações da tinta de secagem rápida, Matsumoto aplica camadas finas à tela, antes de limpar o pigmento com um pano e repetir o processo. As variações de pressão resultam em uma difusão de cor e luz, conectando-a ao gênero agora estabelecido da “pintura nebulosa”.

A partir de 1970, o uso do rosa tornou-se um elemento definidor de suas pinturas, caracterizando a maior parte de sua produção por três décadas. Em “Field of Midian” (1983), faixas de rosa vívido se misturam com tons de cinza, azul e roxo. A superfície parece vibrar, evocando chamas lambendo ou ventos violentos soprando através de uma paisagem. Em “The Mountains of Ephraim III” (1990), tons profundos de rosa e roxo emergem através de massas ondulantes e semelhantes a nuvens de tons mais suaves. Para a artista, o rosa não carrega nenhum conceito particular, mas existe nas “profundezas mais íntimas de nosso subconsciente”, um tom que “reside abaixo do pensamento inexprimível”.

No início dos anos 2000, Matsumoto retornou ao meio que tanto a incomodou no início de sua carreira: a pintura a óleo. Como ela observou mais tarde, “Embora seu cheiro e sua viscosidade me tenham afastado há muito tempo, depois de mais de trinta anos eu fiz um círculo completo”. Isso também marcou uma transição do uso do rosa para o verde, uma cor que a artista descreveu como “problemática” devido às suas associações inevitáveis com montanhas ou pastagens. Seguindo o desejo de criar “pinturas verdes autônomas” puramente através de pigmentos vivos e saturados, ela começou a empregar verde viridiano e verde cádmio. Em “Thought Circuit III” (2006), a fisicalidade irregular e opaca da tinta a óleo predomina, sinalizando uma ruptura com a suavidade nebulosa que caracteriza as obras anteriores da artista. Em vez disso, uma densa rede de marcas de carvão escuro, verde, laranja e branco sugere rotas e caminhos que, como o título sugere, têm tanto a ver com o processo cognitivo quanto com qualquer fenômeno natural.

A exposição inclui duas novas aquarelas criadas pela artista este ano. Assim como em suas obras em acrílico, Matsumoto usa pigmento para criar camadas sobrepostas; no entanto, aqui a tinta mantém suas bordas, ditadas pelos riachos de água que a transportam. Estratos se formam na página – uma constelação de formas nebulosas e gestos fluidos que contrastam com a dissipação da cor em suas obras sobre tela. Outra instância em que ela “esquece o tempo e o espaço”, essas obras em papel oferecem outro meio pelo qual Matsumoto se envolveu física e psiquicamente com o reino espaço-temporal da pintura.